Surrealismo I

Este movimiento artístico surge en París en 1924 a raíz de una revolución juvenil y se extendió hasta el final de la II Guerra Mundial, siendo muy popular en EEUU. Allí, el escritor francés André Bretón, publica el Primer Manifiesto del Surrealimo y define este nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento". Bretón estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un nuevo arte que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

El grupo surrealista en 1930. De izquierda a derecha, Tzara, Edward, Breton, Dalí, Arp, Tanguy, Ernst, Crevel y Man Ray.

Comenzó siendo un movimiento de y para escritores pero pronto se unieron a ellos artistas de todas las disciplinas. Para los surrealistas, la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la razón no ejerza ningún tipo de control. Freud desarrolló la teoría del subconsciente sobre la que se apoyaron este tipo de artistas. Podemos ver dos corrientes a la hora de hacer arte surrealista. Por una parte encontramos los pintores que plasmaban su arte mediante formas simbólicas. Entre ellos podemos destacar Joan Miró, Paul Klee y André Masson.

Carnival of Harlequin Print, Joan Miró, 1924-1925

Por otro lado encontramos los pintores que se valían de la figuración naturalista. Entre ellos encontramos a Salvador Dalí (Figueras, 19004 - ibídem, 1989), René Magritte, Paul Delvaux (Bruges, Bélgica 1901 - Bruselas, 1880) o Yves Tanguy.

Black magic, Magritte, 1933

El violín de Ingres, Man Ray, 1924

Todos ellos intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para ello se valen de recursos como la animación de lo inanimado, el aislamiento de fragmentos anatómicos, la utilización de elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, perspectivas vacías... El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, descubren en el erotismo realidades oníricas y tratarán el sexo de forma impúdica.



El arte surrealista investigó nuevas técnicas como el frottage1, la decalcomanía2, el grattage3, el cadáver exquisito4 o la pintura automática.
Este movimiento también se interesó por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. Así fueron revalorizados el arte de los pueblos primitivos, el arte infantil o el de los dementes.



No suelo hacerlo, pero considero este un movimiento artístico realment apasionante y un verdadero desconocido y por ello, hablaré de sus máximos esponentes antes de centrarme en su vinculación con la moda.
Max Ernst (Brühl, Alemania, 1891 -  París, 1976) destacó por la utilización del frottage y sus imágenes aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

Europa después de la lluvia II, Ernst

Mamá, papá está herido, Tanguy, 1927

 
Yves Tanguy (París, 1900 - Woodbury, EEUU, 1955) representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Mediante la representación de horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriores y las alusiones a signos sexuales consigue provocar angustia y misterio. Su obra está cargada de surrealismo abstracto en la que apreciamos grandes paisajes plasmados con una paleta de colores más bien limitada, aplicando toques de color de gran contraste.

La violación, Magritte, 1934

René Magritte (Lessines, Bélgica, 1898 - Bruselas, Bélgica, 1967) realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas y ambientes.En sus cuadros es muy notorio ver los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones, además Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con él que le muestra y hace participar a los espectadores en una apreciación por la visión.
Pero sus transgresiones al convencionalismo artístico no solo son de orden formal, sino también histórico: abordan los problemas reales de percepción y representación que surgen cuando advertimos que el lenguaje y la imagen pertenecen a sistemas semióticos regidos por leyes particulares, y que estas no reflejan la realidad sino que más bien la sustituyen.










André Masson (Balagny sur Thérain, Francia, 1896 - París, 1987) fue herido gravemente en la I Guerra Mundial lo que le afectó profundamente y comenzó a interesarse a partir de entonces por la naturaleza y el destino del hombre, así como por la creencia de la unidad simbólica de todas las cosas, lo que intenta expresar en términos artísticos.
Al principio presentó una influencia cubista pero a partir de 1922 se convirtió en miembro del movimiento surrealista hasta que lo abandonó en 1928 tras una discusión con Bretón. Su método consiste en pintar automáticamente sobre el lienzo con pegamento para añadir más tarde el color cubriéndolo con arenas coloreadas.

Oedipus, Masson 1939

Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Este es uno de los genios de la pintura de nuestro país. Él mismo decía esto sobre su pintura: "Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable". 
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Pinta con colores puros y tintas planas. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. Pero la Guerra Civil española y la II Guerra Mundial lo alejaron de la aventura surrealista.

Hirondelle Amour, Miró, 1933

Batalha harmonizada, Klee, 1937

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 1879 - Muralto, Suiza, 1940). Realmente su estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo (participando en el grupo El Jinete azul) y la abstracción. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños.











Para ir introduciéndonos en la vinculación de este movimiento con la moda volveremos al Primer Manifiesto Surrealista. En él vemos como este movimiento apelaba al individuo, afirmando que la revolución empezaba por uno mismo. Este cambio significaba, sobre todo, la explosión interna de todo lo que hasta ese momento había permanecido oculto y reprimido por una sociedad burguesa opresora. Alterar la realidad, remover los conceptos más asentados y descubrir lo mágico dentro de lo cotidiano son algunos de los preceptos de este movimiento5.

Como afirma Ángeles García en uno de sus artículos para El País, este movimiento ha influído enormemente en la estética del siglo XX: "Los más conocidos iconos del diseño del siglo XX están inspirados en la estética surrealista. El Victoria & Albert Museum de Londes acaba de inaugurar su gran exposición de primavera `Surrealismo y diseño´, en la que a través de 300 obras se detalla la influencia del surrealismo en el mundo del diseño. Los objetos de uso cotidiano, el teatro, la escenografía, la moda, el cine, la arquitectura o la publicidad muestran la fantasía con la que fueron concebidos por los surrealistas"6.

El impacto del surrealismo en el mundo de la moda se dejaría sentir en el diseño de escaparates y en las revistas del sector. En Vogue se dio la colaboración como fotógrafo de Man Ray así como la participación de Giorio de Chirico y Salvador Dalí en el diseño de portadas.

Fotografía de Man Ray para Vogue en 1930

Portada de Vogue diseñada por Chirico en 1935

Portada de Vogue diseñada por Dalí en 1946

Portada de Vogue diseñada por Dalí en 1939

Portada de Vogue diseñada por Dalí en 1944

Portada de Vogue diseñada por Dalí en 1971

En 1927 una gran tienda de confección de Bruselas encarga a Magritte la realización de un catálogo de abrigos de piel7. El artista será uno de los grandes investigadores del vestuario femenino al sobreimprimir a los tejidos inertes fragmentos volumétricos de cuerpos femeninos, idea retomada por creadores del siglo XX, como es el caso del vestido de noche en gasa azul que diseñó Yves Saint Laurent en 1969. El vestido llevaba incorporado un busto esculpido de cuero galvánico con oro fino, obra del escultor Claude Lalanne.

La Philosophie dans le Boudoir, Magritte, 1947.

Homenaje a Mark Senetti, Magritte, 1937

Diseños de Yves Saint Laurent en colaboración con Claude Lalanne, 1969.

Salvador Dalí

 Dalí es considerado como el máximo exponente del movimiento surrealista. Pero no sólo se dedicó a la pintura, también trabajó en el diseño de relojes y joyas. Realizó para la firma Tiffany´s El ojo del Tiempo (1949), una pieza engarzada de diamantes en un cabujón de rubíes.

El ojo del Tiempo, Dalí, 1949

En el año 2011, la Fundación Salvador Dalí presentó en el Teatro Museo Dalí de Figueras la exposición Joils (joyas) para la cual, el arquitecto Oscar Tusquets remodeló completamente el edificio anexo al museo. La exposición de carácter permanente incluye treinta y siete joyas de oro y piedras preciosas de la colección Owen Cheathem, dos joyas realizadas posteriormente y veintisiete dibujos sobre papel que Dalí hizo para los diseños de estas joyas.

También se dedicó al diseño de moda. Dalí diseñó para su mujer Gala, su musa e inspiradora. Para ella elaboró excéntricos diseños como un sombrero-zapato en negro, único en concepción y ejecución. Su tacón en forma de embudo, pero curvado como una coma, fue todo un escándalo cuando Gala lo lució por las calles de París. 

Zapato-sombrero, Dalí

Diseño inspirado en el Zapato-sombrero de Dalí

Y otra de las grandes diseñadoras que se inspiró en este peculiar sombrero fue Elsa Schiaparelli (Roma, 1890 - 1973). No solo se inspiró en este gran artista surrealista, sino que trabajó codo con codo con él en algunos de sus diseños. Debido a su importancia, sus diseños los trataremos en otra entrada.

Diseño de Elsa Schiaparelli

 
A continuación algunos de sus diseños.

Diseño de Dalí.

Diseños de Dalí. El vestido de la derecha nos recuerda a algún diseño de Rabanne

  








 








No solo diseñó moda como tal, también vinculó su pintura a esta. Por ejemplo, en 1936 realiza el díptico Día y noche del cuerpo, cuadro que resume la paradoja esencial de la vestimenta: ocultar el cuerpo para evidenciar su forma. En 1939 realizó su primera portada de la edición americana de Vogue del mes de junio, realizando posteriormente portadas en 1944, 1946 y 1971 (fotografías presentadas anteriormente).

Día y noche del cuerpo, Dalí, 1936

Fotografía de Phillippe Hasman en Dali´s moustache

Avida Dollars es la ultima producción industrial de un Dalí volcado con el diseño comercial de relojes blandos, frascos de cosmética con los labios de Mae West, colgantes del Cristo o la Madonna de Port Lligart y un sinfín de accesorios. El término "Avida Dollars" lo acuñó por primera vez André Breton para referirse a Dalí de forma despectiva, ya que según él estaba sediento de dinero llegando a firmar papeles y telas en blanco.



Pero el trabajo de Dalí ha influído en artistas y diseñadores de moda del siglo XX y XXI como ya hemos visto el caso de Yves Saint Laurent. Otro claro caso es el de la española Ágatha Ruiz de la Prada (Madrid, 1960) quién homenajeó a este gran artista en su colección para el otoño-invierno de 2009 presentada en la Semana de la Moda de Madrid.

Diseño de Ágatha, o-i 2009

Sofá de labios de Mae West, Dalí, 1936-37

Diseños de Ágatha, o-i 2009

Venus de Milo con cajones, Dalí, 1936

Diseño de Ágatha

También la firma Lavin diseñó para la temporada otoño-invierno de 2012 una serie de accesorios inspirados en los creados por Dalí más de media década antes.

Accesorios de diseñados por Dalí

Accesorios de Lavin

Creo que no es injusto ni exagerado considerar a este gran artista español como uno de los grandes de la historia que dejó huella en numerosos ámbitos de la vida artística internacional. Si vemos esta foto, quizá el ya lo intuyera.

Dalí infinito

1Frottage: técnica artística que consiste en el frotamiento de un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto 
para conseguir una impresión de la forma y textura de dicho objeto. En su utilización destaca Ernst.
2Decalcomanía: técnica pictórica que consiste en aplicar imágenes (por ejemplo de gouache negro) sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión y después se despegan las hojas antes de que se sequen.
3Grattage: técnica en la que la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones (por lo general una vez seca) crando una especie de textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue muy empleada por Max Ernst y Joan Miró y más tarde por el informalismo, destacando Antoni Tàpies.
4Cadáves exquisito: es un juego por medio del cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes. Fue una técnica utilizada por los surrealistas basada en un viejo juego de mesa llamado Consecuencias en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración. Esta técnica fue adaptada al dibujo y al collage dividiendo las páginas en tres partes: el tercio superior mostraba la cabeza de una persona o animal, la parte media el torso y la inferior las piernas.
5GUINOT, OL., "Relaciones peligrosas", Lapiz, 197. 2003. Pág. 38-43.
6GARCÍA, A., "Hijos de Marx y Freud", El País, 31 marzo de 2007.
7BAUDOT, F. Moda y Surrealismo, Madrid, Ed. Hl Kliczkowski, 2002.